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KEIICHIRO SHIBUYA

  • by C.EM
  • juin 27th, 2014

 An Interview with Mr Keiichiro Shibuya

Keiichiro Shibuya, Interview, Tokyo, Paris, photo credit Kenshu Shintsubo

Paris-Tokyo, June23rd 2014, (by E-mail).

C : Could you please explain your process of work on this “Concert-Projection” for the opening of the exhibition of Mr Hiroshi Sugimoto at the Palais de Tokyo, in Paris?

Keiichiro Shibuya : Mr Sugimoto first created the video for the theatre and then I composed on the images of the video. I converted Mov data of the video into a sort of noises or sounds and made it basso continuo resounded through the entire music.
A few chords have been taken from Quatuor pour la Fin du Temps by Olivier Messiaen in Mr Sugimoto’s idea.

C : What did you learn from your work with Mr Hiroshi Sugimoto?

K.S. : He is clear to what he focuses on and he is very stern to make sure about to whom and how his work is transmitted. Simultaneously he thoroughly pursued to reach the completion of the work as a craftwork.
I was influenced by his attitude with bird’s eye view of the balance of these two sides.

C : Technology is more and more present. How do you use it in your personal work?

K.S. : I put technology to practical use in all, such as making sounds, composing, editing songs. The impact of making the sound on the computer influences even when I play the piano.

C : What is the balance between « classic music » with instruments and technology when you start a project? And how does it evolve?

I don’t think the balance is always necessary.
I know for sure which media such as a computer or instruments, I will use for a new project, when some music come to my mind. I personally think to mix the computer and the piano is very difficult and this separation is my style now.
I expect to show the most evolved form, in a solo concert, at the Théâtre du Châtelet, in Paris, in October 2014.

C : Because of technology the link between music, design and contemporary art is more obvious. What do you think of it and how do you define it in your personal work?

I think the link you mean in the question is so called miniaturization of technology, that is a personal technology, but it is not a new concept.
However those who are not musicians but artists such as illustrators or painters have begun making music based on not a musical but a visual principle. This tendency has become common and it is a great transformation.
I also create installation, but the sound has become a source of ideas and concepts setting aside from the presence or absence of actual sound.
So I see a visual from sounds, from hearing, and then I conceive of my idea. And I consciously compose the environment.
Not so many artists create visuals with the sense of composition. As this is also a feature of me, I feel the strongest awareness that I AM a musician in artistic activities.

C : Is your opera, “The End” (2013), the most representative work that associate these fields?

The first concept of that work is what will happen if we make an opera with no human beings in it. So I did not particularly had conscious of a modern artistic approach.
The opus was rigidly created as music. However, the harmony has become infinitely simple and the layers of tone have become as complex as possible in the classical sense.
Also there is no paper score in that opera. It’s all begun to programming the computer from the beginning.
In that sense I think it was the opera that could not be with no technology.

His music label : atak

A special thank you, to Mrs Yukiko Takahashi, for her help with the translation Japanese-English.

BEN FROST – « AURORA »

  • by C.EM
  • juin 19th, 2014

Ben Frost was in Paris for the release of his new album « AURORA », on May 26th 2014, on MUTE.
The support : DSCRD

Paris, La Machine du Moulin Rouge – Friday, June 13th 2014, 20h.

Ben Frost, "Aurora", La Machine du Moulin Rouge, Paris

Ben Frost arrives barefoot on stage followed by his drummer Greg Fox. The gig begins with variations of sounds and lights like a sandstorm in the desert. I distinguish neither the artist nor the drummer, the yellow light sweeps it all, and the sound is resolutely electro.
And I find myself in a wandering where the Earth’s strength makes attraction and rejection. Ben Frost with his electric guitar and laptop in all his strength and his power is in perfect sync with Greg Fox, his drummer.

A cold white light like saws crossing the stage from side to side, Ben Frost entered into guerrilla, it slams and it is tribal. A high tension is palpable in this unstable sound Landscape, which inspires contradictory thrills.
Saturation of white light and sound explosion, he is in his trance, in a fight, a confrontation. There is an emergency, it is here and now, and he is connected to the sources of the Earth’s vital energy; it is very real and concrete.
This avalanche of sounds, noises, music, strike you, shake you up, and will certainly doesn’t leave you unmoved.

He repeats tirelessly that there is too much music, and that music producers should release a record, only if they have something interesting to tell.
I think this idea can apply to all forms of art today.
Tonight, Ben Frost launched a war cry and led his gig at a breakneck speed.
« AURORA » a masterful gig.

BEN FROST – « AURORA »

  • by C.EM
  • juin 17th, 2014

Ben Frost, en concert à Paris, pour la sortie de son nouvel album « AURORA », le 26 mai 2014, sur MUTE.
Première partie : DSCRD

Paris, La Machine du Moulin Rouge – Vendredi 13 juin 2014, 20h

Ben Frost, "Aurora", La Machine du Moulin Rouge, Paris

Ben Frost arrive pieds nus sur scène suivit de son batteur, Greg Fox.
Le concert commence avec des variations de sons et de lumières comme une tempête de sable dans le désert. Je ne distingue ni l’artiste, ni le batteur, la lumière jaune balaie tout, le son est résolument électro.
Et je me retrouve dans une errance où la force terrestre fait attraction et rejet. Ben Frost à la guitare électrique et au laptop, dans toute sa force et sa puissance, est en parfaite synchronisation avec Greg Fox, son batteur.

Ben Frost, "Aurora", La Machine du Moulin Rouge, Paris

Une lumière blanche et froide comme des scies traverse la scène de part en part, Ben Frost est entré en guérilla, ça claque, c’est tribal. Une grande tension est palpable dans ce paysage sonore instable, qui provoque des émotions contradictoires.
Saturation de lumière blanche et explosion sonore, il est en transe, dans un combat, une confrontation. Il y a une urgence, c’est ici et maintenant, il est connecté aux sources de l’énergie vitale terrestre, c’est très réel et très concret.
Cette avalanche de sons, bruits, musique, vous percute, vous bouscule, et ne vous laisse pas indifférent.

Ben Frost, "Aurora", La Machine du Moulin Rouge, Paris

Il répète à l’envie qu’il y a trop de musiques, que les producteurs de musiques devraient sortir un disque, seulement si, ils ont quelque chose d’intéressant à raconter.
Je pense que cette réflexion s’applique à toutes formes d’art aujourd’hui.
Ce soir, Ben Frost a lancé un cri de guerre et mené son concert à un rythme d’enfer. « AURORA », un concert magistral.

Ben Frost, "Aurora", La Machine du Moulin Rouge, Paris

NOS OCCUPATIONS, Création

  • by C.EM
  • juin 3rd, 2014

Texte et mise en scène de David LESCOT
Cie du KAÏROS

Paris, Le Théâtre des Abbesses- mercredi 28 Mai 2014, 20h30.

David Lescot, Cie du Kaïros, "Nos Occupations", Théâtre des Abbesses, Paris

Il est toujours un peu difficile d’aborder les textes de David Lescot ; je suis donc rivée à mon siège, concentrée, réveillée.
Sur scène, il y a 18 chaises et 8 pianos en morceaux, sauf celui du pianiste, 6 comédiens et un pianiste ; et puis 8 personnes.
Au début je ne comprends pas très bien ce que tout ce monde fait sur scène, puis dans ce joyeux désordre, où j’ai l’impression d’être dans un Saloon de Far West moderne, se dégage les comédiens par paire ou en solo ; le pianiste est de dos.
Je me demande quel est le rôle de ceux qui sont assis ou debout, qui ne bougent pas, ne parlent pas. Est-ce que ces 8 personnes font partie du public ? Est-ce que ce sont les immobiles de la société, ceux qui attendent que les autres fassent à leur place ?

La pièce est en deux parties, la première partie « En guerre » et la deuxième partie « L’après-guerre ».
Il est question d’un groupe, de son organisation clandestine et de son activité de résistance. Ils suivent un certain ordre ; ils sont enfermés, cachés, utiles ou inutiles.
Je pense à Blaise Pascal : « Les mots diversement rangés font un divers sens et les sens diversement rangés font différents effets. » (Pensées, 1670).
Où se situe la vraie compréhension ? Il y a des combinaisons d’idées, de mots, de lettres ; des listes, des fragments, des réagencements.

Par moment le pianiste délie les situations et à d’autres moments je trouve que le texte mériterait à être plus lent et le piano moins présent.

Le public, ce soir là, a apprécié autant que moi, cette scène grandiose, de répétition.
-27. Répétition-, p 39, Le Tanneur et Merle. (…)
Le Tanneur : Moi aussi je m’entraîne. Je commence S.T.E.N.U. ; A.R.T.O.L. ce sont des groupes de cinq lettres.
Merle : S.T.E.N.U. ; A.R.T.O.L. Il y en a combien.
Le Tanneur : Il y en a vingt-huit.
Merle : vingt-huit groupes de cinq lettres.
Le Tanneur : Je continue. C.S.D.O.F. ; F.A.I.R.T. ; P.E.R.S.N. ; A.E.S.D.T. ; R.T.E.I.O. ; V.D.A.C.J. ; L.O.U.R.I. ; H.E.P.S.H. ; D.N.U.N.T. ; O.P.R.F.M. ; L.A.A.S.E. ; R.E.T.D.F. ; H.O.J.L.M.
(…)
Puis,
-fête 6 : statistique-, p69, La fête qui s’achève. Restent Le Tanneur, Merle, et Vernon.
Une image de fin forte, trois personnages, Le Tanneur, Merle, et Vernon, sont debout, de dos, décalés, Frésure est allongé sur le piano et l’homme dans l’ombre pose sa tête sur son ventre, le pianiste est assis, de dos.

J’ai retrouvé là encore, le style de David Lescot, dans le texte et la mise en scène ; il exprime toujours des interrogations générationnelles, auxquelles il est difficile de répondre, tant l’époque se meut rapidement et tant il est difficile d’avoir une appréhension globale et immédiate des sociétés dans lesquelles on vit.

Les comédiens,
Damien Lehman est le pianiste
Scali Delpeyrat Vernon (qu’on désigne comme le traître)
Norah Krief Merle (qui récite les 28 groupes de lettres)
Grégoire Oestermann est Le Tanneur (le chef du réseau, qui prophétise sur le devenir de l’Europe dans l’après-guerre)
Jean-Christophe Quenon est Mercier, le colosse barbu.
Céline Milliat est Clarisse, qui ne sert à rien dans le réseau
Sara Llorca est Frésure, qui se fait une dinde froide.

Nos Occupations est publié aux Editions Actes Sud-Papiers.

ANNE-JAMES CHATON

  • by C.EM
  • mai 19th, 2014

Les Soirées Nomades
Une soirée imaginée par Anne-James Chaton
« It doesn’t get better »

Paris, La Fondation Cartier – Jeudi 15 mai 2014, 21h

Les Soirées Nomades, Paris,  La Fondation Cartier, Anne-James Chaton, David Wampach, Nicolas Fenouillat

21h il fait froid dans les jardins,
21h10 le public est empaqueté dans ses vestes et manteaux,
21h15 la performance commence,
« Batterie »,
Un batteur, un interprète,
David Wampach, Nicolas Fenouillat,
En arrière plan, les lampes « In Ei » d’Issey Miyake, statiques,
Dans le jardin, une scène au sol noir,
Un batteur qui explore tous les sons de son instrument,
Un interprète qui s’agite dans tous les sens,
Régression, enfantillage, amusement collectif,
21h35, 20 minutes dehors, fin. Le public rentre dans la fondation pour voir la suite…

« Qui je suis… en une minute »,
Pièce sonore de Bernard Heidsieck, 1967 (2’),
« …Tout autour de Vaduz… »,
La liste sans fin…

“Guitar Poetry Tour”,
Anne-James Chaton, Andy Moor, Thurston Moore,
« …My girlfriend is amazing…Money is ridiculous… »,
« …That’s why I love you forever more…, That’s why I want you forever more… »,
Thurston Moore,

Les Soirées Nomades, Paris, La Fondation Cartier, Thurston Moore

“Guitar Poetry Tour”,
Anne-James Chaton, Andy Moor, Thurston Moore,
C’est le clash sous contrôle,
Un va et vient sur scène s’installe,
Guitare, impulsion, voix, lecture,

Les Soirées Nomades, Paris, La Fondation Cartier, Anne-James Chaton, Andy Moor

Lignes universelles de métro,
Transit, sortie,
Où suis je ?
Parcours mental, verbal, musical,
Douter, foncer, s’échapper,

Les Soirées Nomades, Paris, La Fondation Cartier, Anne-James Chaton, Andy Moor

« Princess In A Mercedes Class S280 »,
Lady Di,
Mémoire collective, mémoire sélective,
Dieu, Déesse, adoration,
Elton John,

Les Soirées Nomades, Paris, La Fondation Cartier, Anne-James Chaton, Andy Moor, Thurston Moore

Humour et ironie,
Mixage des genres,
Collection hétéroclite,
C’était bien, très bien,
23h30 fin.

CHARLÉLIE (COUTURE)

  • by C.EM
  • mai 8th, 2014

ShowCase Paris, Pré-Tournée pour la sortie de son nouvel album « ImMortel », prévue le 15 septembre 2014.

Paris, La Gaité Lyrique – mardi 6 mai 2014, 21h.

CharlÉlie Couture, "ImMortel", La Gaité Lyrique, Paris
CharlÉlie vit à New-York depuis dix ans et ça lui réussit bien ! Comme il le dit dans « L’Amour au Fond », extrait de son nouvel album, il avait « …soif de vivre autre chose… ». Il attaque fort la première partie du concert, comme « …un moteur qui vrombit… » (cf. la 1ère chanson), c’est rock très rock et je ne m’y attendais pas ! Pas étonnant alors, que le concert soit une présentation des nouveaux morceaux mais également des titres de ce magnifique album « Poèmes rock », 1981.

CharlÉlie Couture, "ImMortel", La Gaité Lyrique, Paris
J’ai l’impression qu’il est heureux d’être sur scène à Paris et qu’il a hâte de le présenter ce nouvel album.
La cinquième chanson est en anglais, « I am an artiste…You are an artiste.. », honnêtement je préfère quand CharlÉlie chante en français !
Il se pose des questions et le tempo ralenti, lumières violettes, ambiance Al Capone, alcool et opium, « …Quand les nuits sont trop longues… ».
Lumière rouge, ambiance groove jazzy, quand il joue du piano il n’a pas le même rythme qu’à la guitare et il a fini par trouver un furieux son américain, lui qui a déjà multiplié les collaborations aux Etats-Unis « …Keep moving on… » !
« …Good night Esmeralda… », ça groove, décidément CharlÉlie a retrouvé de sa superbe, et c’est blues très blues, « …Avant que la vie parte en volutes… ».

CharlÉlie Couture, "ImMortel", La Gaité Lyrique, Paris
Il nous dit : « …J’aime bien raconter des histoires… Story telling ça s’appelle… » .
« …Everything is under control… » CharlÉlie nous remet le son à fond, ça sent la fin et j’ai raison, « Comme un avion sans aile », présentation des musiciens, Boby Jocky-basse, Denis Benarrosh-batterie, Emmanuel Trouvé-clavier, Karim Attoumane-guitare.
Rappel + rappel, « Oublier », « Le loup dans la Bergerie », « Jacobi marchait » (cf. le très bel album « Les Naïves », 1994) « La Ballade du mois d’août 75 », fin.
CharlÉlie remercie Benjamin Biolay.
Son nouvel album « ImMortel », écrit et composé par CharlÉlie Couture, réalisé par Benjamin Biolay.

CharlÉlie Couture, "ImMortel", La Gaité Lyrique, Paris

A Vous de Voir… Mai-Juin 2014

  • by C.EM
  • mai 5th, 2014

Pierre Soulages
24 avril-27 juin 2014
Dominique Lévy Gallery en collaboration avec la Galerie Emmanuel Perrotin
New-York

Monumenta
Ilya et Emilia Kabakov (artistes conceptuels)
« GOROD » (« Cité »)
10 mai-22 juin 2014
Nef du Grand Palais, Paris

34ème nuit européenne des musées
17 mai 2014

David Bowie
20 mai-10 août 2014
Martin-Gropius-Bau, Berlin

Festival de Cannes
Jane Campion (Présidente du Festival)
14-24 mai 2014

Lee Ufan (plasticien coréen)
17 juin-2 novembre 2014
Château de Versailles

La biennale de Venise 14eme
7 juin 23 novembre 2014
Directeur de cette édition Rem Koolhaas
50 pavillons

8ème Biennale de Berlin
29 mai-3 Août 2014
Haus am Waldsee, KW Insitute for Contemporary Art, Crash Pad, Museen Dahlem – Staatliche Museen zu Berlin

Manifesta 10 Biennale européenne d’art contemporain
20ème anniversaire
28 juin-31 octobre 2014
Musée de l’Ermitage (250ème anniversaire), Saint-Pétersbourg

Art Basel Hong-Kong
15-18 mai 2014
Asie et Asie pacifique

Art Basel
13-16 juin 2014

Frieze Art Fair New-York
17-20 mai 2014
The British Invasion
3ème année

HIROSHI SUGIMOTO

  • by C.EM
  • mai 2nd, 2014

« Aujourd’hui, le monde est mort [Lost Human Genetic Archive] »
« L’Etat du Ciel, partie 2 »
KEIICHIRO SHIBUYA
LIVE CONCERT TO SUPPORT THE PHOTOGRAPHIC IMAGES OF HIROSHI SUGIMOTO

Paris, Palais de Tokyo – Saturday, April 26th 2014 at 17pm

Hiroshi Sugimoto, Keiichiro Shibuya, Palais de Tokyo, Paris
I have made an unexpected and enchanting interlude, a leap in time, at the Palais de Tokyo last Saturday. That day, Hiroshi Sugimoto has invited Keiichiro Shibuya (composer) for a “Concert Projection”, room 37, for the opening of the exhibition.

Photographic images of Hiroshi Sugimoto were presented in two series, which are an on going process of work until now.
The first series is « Theaters (1978 -) » (one of the photograph submitted was taken in this room 37); he photographed former Italian theaters turned  into cinemas, adjusting the exposure time of the camera on the duration of the film.
Keiichiro Shibuya is playing the piano, a laptop to his left, he plays a composition which is like a nostalgic walk in the past, while the laptop runs a metallic sound, I think of the flow of sand in an hourglass … In parallel, the white screens of the cinemas are following one another and you feel as you are caught up in this white area in the middle of an empty cinema room …
Back to the first photograph, it blurs, white screen, this is the end of the first series.

Hiroshi Sugimoto said: « The time, the meaning of time, the passage of time, it is consciousness. We must first look back before imagining the future. Just as it is important to know where does our mind comes from, he explains. We are so far from nature and the origin of things today. « 

The second series « Seascapes (1980 -) » are photographs curiously very vertical, an equal portion of sky and sea, of air and water.
Keiichiro Shibuya is still alone at the piano, waiting and vibration, its music celebrates immensity, the inaccessibility of the horizon, it has a universal emotional dimension.
Pause and applause.
Other photographs follow one another, the rhythm of the piano is synchronized with the movement of the sea, the light is fading, it is dark now, I think of « The Grandmaster » by Wong Kar Wai.
Pause and applause.
« Seascapes » photographs of day, it captures the white light on the sea, all that white becomes gray and then darker, the end; I think of this beautiful exhibition « Revolution », I saw at the Brandhorst Museum in Munich in 2012.

Hiroshi Sugimoto said: « What really means to be alive here and now? « 

Keiichiro Shibuya is a composer and performer of electronic and acoustic music, graduated from the Tokyo National University of Fine Arts and Music. In 2002, he created ATAK, a music label and a group of artists gathering together with music, fashion and design. In addition to his solo projects, he produces music for films, including « Memories of Origin » by Hiroshi Sugimoto (2012).
With « The End » (2013), whose music is completely designed from synthetic sounds, he signed his first opera, staging the vocaloïde Hatsune Miku.

HIROSHI SUGIMOTO

  • by C.EM
  • avril 29th, 2014

« Aujourd’hui, le monde est mort [Lost Human Genetic Archive] »
« L’Etat du Ciel, partie 2 »
KEIICHIRO SHIBUYA
CONCERT LIVE POUR ACCOMPAGNER LES IMAGES PHOTOGRAPHIQUES DE HIROSHI SUGIMOTO

Paris, Le Palais de Tokyo – samedi 26 avril 2014, à 17h

Hiroshi Sugimoto, Keiichiro Shibuya, Palais de Tokyo, Paris

J’ai fait une parenthèse imprévue et enchanteresse, un saut dans le temps, au Palais de Tokyo, samedi dernier. Ce jour là, Hiroshi Sugimoto invitait Keiichiro Shibuya (compositeur et interprète) pour un Concert-Projection, salle 37, pour l’ouverture de l’exposition.

Les images photographiques d’Hiroshi Sugimoto se présentaient en deux séries, sur lesquelles il travaille depuis plus de dix ans.
La première série est « Theaters (1978-) » (dont une des photographies présentée a été prise dans cette salle 37) ; il a photographié des théâtres anciens à l’italienne transformés en salle de cinéma, en réglant le temps de pose de son appareil sur la durée du film.
Keiichiro Shibuya est au piano, un laptop à sa gauche, il joue du piano comme une promenade nostalgique dans le passé tandis que s’écoule du laptop un son métallique, je pense à l’écoulement du sable dans un sablier… En parallèle les écrans blancs de salle de cinéma se succèdent et l’on est comme happé par cette surface au milieu d’une salle vide…
Retour à la photographie première, elle se floute, écran blanc, fin de la première série.

Hiroshi Sugimoto, Keiichiro Shibuya, Palais de Tokyo, Paris

Hiroshi Sugimoto dit : « Le temps, le sens du temps, le passage du temps, c’est la conscience. On doit d’abord regarder en arrière avant d’imaginer le futur. Tout comme il est fondamental de savoir d’où vient notre esprit, explique-t-il. Nous sommes si loin de la nature et de l’origine des choses, aujourd’hui. »

La deuxième série « Seascapes (1980-) », ce sont des photographies curieusement très verticales, une partie égale de ciel et de mer, d’air et d’eau.
Keiichiro Shibuya est toujours seul au piano, attente et vibration, sa musique célèbre l’immensité, l’inaccessibilité de la ligne d’horizon, elle a une dimension émotionnelle universelle.
Pause, applaudissements.
D’autres photographies se succèdent, le rythme du piano se synchronise au mouvement de la mer, la lumière est déclinante, il fait nuit maintenant, je pense à « The Grandmaster » de Wong Kar Wai.
Pause, applaudissements.
« Seascapes » photographies de jour, il capte la lumière blanche sur la mer, tout ce blanc qui devient gris puis de plus en plus sombre, fin ; je pense à cette magnifique exposition « Revolution», que j’ai vu au Brandhorst Museum à Munich en 2012.

Hiroshi Sugimoto dit : « Que signifie réellement être vivant ici et maintenant ? »

Keiichiro Shibuya est un compositeur-interprète de musique électronique et acoustique, diplômé de la Tokyo National University of Fine Arts and Music. En 2002, il crée ATAK, un label de musique et un collectif d’artistes rassemblant musique, mode et design. 

À côté de projets solo, il réalise des musiques de film, notamment pour « Memories of Origin » de Hiroshi Sugimoto (2012). Avec « The End » (2013), dont la musique est entièrement conçue à partir de sons de synthèse, il signe son premier opéra qui met en scène la vocaloïde Hatsune Miku.

Keiichiro Shibuyacrédit photo Keiichiro Shibuya

Van Gogh / Artaud. Le suicidé de la société.

  • by C.EM
  • avril 17th, 2014

Au musée d’Orsay
Du 11 mars au 6 juillet 2014

Ou l’art parisien de l’écran de fumée…

Il faut faire la queue dehors sur l’esplanade du musée d’Orsay balayée par les vents ; et il faudra refaire la queue une fois à l’intérieur pour accéder à l’exposition. Dommage, vous n’avez pas acheté votre billet en ligne pour voir l’exposition tel jour, à telle heure…! Vous ferez alors partie de ceux qui seront comptabilisés et questionnés ; « ça ne vous dérange pas, hein, de remettre ce papier au gardien à la sortie de l’exposition » ?! Et là vous serez chronométré…

Tout ça pour quoi au juste ? Ah oui, Van Gogh/Artaud. Le suicidé de la société. L’exposition s’ouvre sur un montage sonore « Pour en finir avec le jugement de dieu » (22-29 novembre 1947, radio enregistrement), la première salle est consacrée à Antonin Artaud, avec un portrait d’Antonin Artaud par Man Ray, suivent deux salles consacrées à Vincent Van Gogh, puis une dernière salle consacrée aux dessins d’Antonin Artaud (et également Antonin Artaud, comédien, 20 extraits de films).
Je croyais aller voir un parallèle, un dialogue, une confrontation entre deux univers de « deux monstres sacrés ».
Mais le musée d’Orsay ne met justement pas face à face ces « deux artistes maudits ». Je commence « à maudire » cette exposition qui n’est qu’une énième exposition Vincent Van Gogh.
Antonin Artaud, « Van Gogh le suicidé de la société »,
p42 : « Une exposition des tableaux de Van Gogh est toujours une date dans l’histoire,
non dans l’histoire des choses peintes, mais dans l’histoire historique tout court. »

D’ailleurs le public qui est là, lui, ne s’est pas trompé, il y a foule dans les deux salles Van Gogh.

Et Antonin Artaud, alors ? Seul contre tous ?

Je cherche encore les écrits dans cette exposition…

« Paule aux ferrets » 24 mai 1947, dessin d’Antonin Artaud
« Paule aux ferrets » 24 mai 1947, dessin d’Antonin Artaud, musée d'Orsay, Paris

Antonin Artaud, « Van Gogh le suicidé de la société »
Introduction : Antonin Artaud, « Ce dessin représente l’effort que je tente en ce moment pour refaire corps avec l’os des musiques de l’âme » Rodez, septembre 1945. Ces signes jetés sur la page, Artaud les nomme des « notes », au double sens scriptural et musical du terme…

P33 : « Quant à la main cuite, c’est de l’héroïsme pur et simple,
quant à l’oreille coupée, c’est de la logique directe,
et je le répète,
un monde qui, jour et nuit, et de plus en plus, mange l’immangeable,
pour amener sa mauvaise volonté à ses fins,
n’a, sur ce point,
qu’à la boucler. »

P37, Post-Scriptum : « Car c’est la logique anatomique de l’homme moderne, de n’avoir jamais pu vivre, ni penser vivre, qu’en possédé. »

Antonin Artaud, « Le Théâtre de la Cruauté », mars 1946 (Centre Pompidou)

Antonin Artaud, « Le Théâtre de la Cruauté », mars 1946 (Centre Pompidou), musée d'Orsay, Paris

P41 : « La peinture linéaire pure me rendait fou depuis longtemps lorsque j’ai rencontré Van Gogh qui peignait, non pas des lignes ou des formes, mais des choses de la nature inerte comme en pleines convulsions.
Et inertes. »

P43 : « Van Gogh a tiré ces espèces de chants d’orgue, ces feux d’artifice, ces épiphanies atmosphériques, ce « Grand Œuvre » enfin d’une sempiternelle et intempestive transmutation. »

Antonin Artaud, « Sans Titre », janvier 1948 (Centre Pompidou)
Antonin Artaud, « Sans Titre », janvier 1948 (Centre Pompidou), musée d'Orsay, Paris

P47 : «  Je crois que Gauguin pensait que l’artiste doit rechercher le symbole, le mythe, agrandir les choses de la vie jusqu’au mythe,
alors que Van Gogh pensait qu’il faut savoir déduire le mythe des choses les plus terre-à-terre de la vie.
En quoi je pense, moi, qu’il avait foutrement raison.
Car la réalité est terriblement supérieure à toute histoire, à toute fable, à toute divinité, à toute surréalité.
Il suffit d’avoir le génie de savoir l’interpréter.
Ce qu’aucun peintre avant le pauvre Van Gogh n’avait fait,… »

P60 : « Nul n’a jamais écrit ou peint, sculpté, modelé, construit, inventé, que pour sortir en fait de l’enfer. »

Antonin Artaud, autoportrait, Rodez, 11 mai 1946 (Centre Pompidou)
Antonin Artaud, autoportrait, Rodez, 11 mai 1946 (Centre Pompidou), musée d'Orsay, Paris

P71 : « …preuve que Van Gogh a pensé ses toiles comme un peintre, certes, et uniquement comme un peintre, mais qui serait,
par le fait même,
un formidable musicien. »

p87 : « Un fou, Van Gogh ?…
L’œil de Van Gogh est d’un grand génie, mais à la façon dont je le vois me disséquer moi-même du fond de la toile où il a surgi, ce n’est plus le génie d’un peintre que je sens en ce moment vivre en lui, mais celui d’un certain philosophe par moi jamais rencontré dans la vie. »

Introduction des « Lettres à son frère Théo » :
La question est posée : « …Mais que veux tu ? »
Derniers mots de la dernière lettre de Vincent à Théo : « Eh bien ! Mon travail à moi, j’y risque ma vie et ma raison y a fondré à moitié… »

Autoportrait de Vincent Van Gogh, Washington, The National Gallery of Art
Saint-Rémy de Provence, août 1889
Collection of Mr. and Mrs. John Hay Whitney (1998.74.5)
Vincent van Gogh (Dutch, 1853 - 1890 ), Self-Portrait, 1889, oil on canvas, Collection of Mr. and Mrs. John Hay Whitney